Nine es una de las grandes esperanzas de este año para la temporada de premios. Una producción de lujo, basada en un gran éxito de Broadway con un reparto estelar a más no poder (salvo una de las grandes incógnitas…¿que pinta Fergie?) Su gran baza, que es ser un nuevo Chicago, se convierte en su gran lastre.
Rob Marshall ha construido Nine a imagen y semejanza de Chicago, con una cuidada dirección artística (que no se refleja en el horrendo poster) los números musicales se desarrollan en un escenario ficticio en la imaginación o subconsciente de los protagonistas, y no dentro de la propia ficción como en la mayoría de los musicales de Hollywood. Y también como en Chicago los números musicales son interrumpidos con diálogos.
El problema de la comparación con Chicago es el material de base: hay un abismo entre la obra resultona con canciones resultonas de Nine y las canciones superlativas y magnífico argumento y personajes de Chicago. No hay color. Con el libreto y sus canciones Rob Marshall ha conseguido un buen producto, pero no alcanza ni de lejos el listón que él mismo se ha puesto.
Del cast destacan Penélope Cruz y Marion Cotillard dulces y sexys y cubren el expediente los demás como un chepudo Daniel Day Lewis o unas petrificadas Sophia Loren (pero maravillosa, por supuesto) o Nicole Kidman.
El último gran éxito del cine de terror llega por fin, precedida por un fantástico tráiler, que promete sustos de un modo terriblemente realista. Pues bien, este es uno de esos casos en los que lo único bueno de la película es el tráiler, realizado con maestría.
La película está rodada con el cansino y mareante estilo de falso documental amateur, por lo que se recomienda no ir a la sesión recién comido. La premisa de que un amateur sigue grabando mientras un le acechan los espírtuEl principio se hace eterno hasta que llega el primero de los previsibles sustos y entonces uno se da cuenta que el punto simpático de la película: que una obra grabada de modo casi casero se haya colado en las taquillas de medio mundo, es en realidad un arma de doble filo, porque no solo está rodada de un modo barato, si no que todo en la película es barato, por no decir cutre: el guión, la realización, la actuación… todo. Uno no deja de pensar que con un poco de presupuesto podían haber pagado a alguien con talento para dirigir, escribir y poner música al cotarro, y que la película es solamente una curiosidad pasajera.
Esta noche Disney estrena en Londres mundialmente una nueva versión del “Cuento de Navidad” (A Christmas Carol) de Charles Dickens. Es exactamente la enésima. Esta vez han unido fuerzas con Robert Zemeckis y su cruzada por la técnica de animación probada ya en Polar Express y en Beowulf (“performance capture” en la que actores reales son filmados y luego cubiertos por animación digital). La técnica ha avanzado y el resultado no es tan terrorífico como en Polar Express, pero aún resulta un tanto incómodo. Es difícil buscarle explicación, la verdad, a esta técnica ¿Cuál es la ventaja una vez que Pixar ha demostrado que se puede alcanzar todos los matices de una actuación con robots, ratas y juguetes?
Cuadra perfectamente este enfoque con la decisión de Disney de estrenar todas sus películas en 3D, ya que el performance capture es perfecto en tres dimensiones. La diferencia respecto a UP y a Bolt es que en este caso Zemeckis opta por filmar el Cuento de Navidad como una auténtica montaña rusa. En algunas ocasiones el efecto es apabullante, pero al utilizar el mismo recurso una y mil veces resulta cansino y mareante. Parece que su único interés es justificar que necesita la animación digital y no la acción real para poder hacer esas tomas circenses arriba, abajo y a través de los lugares más conocidos de Londres. Hubiera sido más apropiado centrarse en captar la sutil y clásica combinación Dickensiana de realismo social, fino humor y buenos sentimientos.
La imaginaría utilizada es en ocasiones maravillosa, como en el caso de los tres espíritus (especialmente el que hace de vela), Jim Carrey está apropiado pero el tercer intento de Zemeckis queda un tanto deslucido al darse uno cuenta que la versión protagonizada por el Pato Donald también para Disney es bastante mejor, y más imaginativa.
La recaudación de la película de Amenábar ya ha roto la taquilla española. Precedida por una campaña de promoción intensa pero con críticas tibias, está claro que va a haber un antes y un después en las cifras de 2009.
Hasta la llegada de Ágora, la taquilla del cine español, aunque con alguna agradable sorpresa, ha sido más que decepcionante. Este es el top 10 hasta el 4 de octubre.
Fuga de Cerebros ($9,8M)
Los Abrazos rotos ($5,8M)
Mentiras y gordas ($5,7M)
Al Final Del Camino ($3,8M)
[Rec] 2 ($3,2M)
Pagafantas ($2,9M)
El Mapa de los Sonidos de Tokio ($2,9M)
El secreto de sus ojos ($2,4M)
Gordos($2,2M)
Guerilla ($1,1M)
Varias películas de humor grueso para adolescentes han sido la sorpresa de la temporada (Fuga de Cerebros, Mentiras y Gordas y Pagafantas) copando el top 5, con muy buenas recaudaciones. Estas películas, aunque no son del agrado de todos, son el sustento de la industria. Donde este año se ha pinchado más es en el cine de más “calidad”.
“Los Abrazos Rotos” de Pedro Almodóvar, si consideramos solo la taquilla nacional ha sido un éxito muy tibio (muy por debajo de sus últimas películas). La injusta masacre de la crítica (no es una obra maestra, pero es un film estimable) y el cierto hastío del público hacia Pedro y Pe ha contribuido. Su carrera internacional está intacta (cosa que no se puede decir de casi ninguna otra película española). La críptica y afectada película de Isabel Coixet, la segunda película del autor de AzulOscuroCasiNegro han sabido también llevarse al público.
[Rec] 2 y El secreto de tus Ojos aún tiene mucha cuerda en taquilla, y otros estrenos como la esperadísima “El Baile de la Victoria” o “El Mal Ajeno” ayudarán a salvar el año y que no sea un one man show de Amenábar.
La última película de Quentin Tarantino “Malditos Bastardos” (Inglorious Basterds, 2009) me ha recordado sorprendentemente a la última película de Pedro Almodóvar “Los Abrazos Rotos”. Aunque las películas no tienen nada que ver sí que me parece que ambos cineastas están en un momento parecido y que tienen obsesiones semejantes.
Los dos son “autores” en el sentido que han creado un estilo propio totalmente reconocible e inimitable (en ambos casos sus imitadores se cuentan a cientos) y que se encuentran en un momento de madurez en sus dotes de cineasta pero que el que el idilio con la crítica se ha terminado. Curiosamente me parece que en los dos casos su mayor virtud es la escritura de diálogos magníficos y en ambos casos su mayor defecto es la dificultad que encuentran en construir tramas plausibles sin altibajos.
Malditos Bastardos es como los Abrazos Rotos una película ambiciosa e irregular en la que el cine es el motor de la trama. Tarantino crea momentos espectaculares de gran tensión como los primeros 15 minutos o la escena del café en los que incluye sus diálogos, su obsesión con spaghetti western y el cine clásico, y otros momentos más decepcionantes. Curiosamente el personaje de Brad Pitt sobre el que debería girar la película queda desplazado por el resto del reparto. Grandes logros la música, la elección de los actores y muchos otros quedan compensados con el exceso de otros ticks que lastran la película como la necesidad de mostrar sangre y vísceras a tutiplén o de sacar a actores geniales (Mike Myers haciendo de personaje de Austin Powers) para demostrar que es el de siempre.
El argentino Juan Gatti es probablemente el diseñador de carteles más conocido del cine español. Es el Saul Bass del cine patrio y su Alfred Hitchcock particular es Pedro Almodóvar. La obra de Gatti está íntimamente ligada a la del manchego y lo que entendemos por el cine y el estilo “almodovariano”. Pero su carrera en el cine no está solo ligada a Almodóvar, sino que también ha diseñado carteles y títulos de crédito para Fernando Trueba, Alex de la Iglesia o Manuel Gómez Pereira entre muchos otros.
Como protagonista del momento álgido de la denominada “movida madrileña, Juan Gatti, además del cine también es responsable de la imagen de un montón de discos de los años 80 y 90, como las imperecederas portadas de los discos de Alaska y Dinarama (como “Deseo Carnal” y muchos otros hasta llegar a los de Fangoria), Mecano o Nacha Pop.
Su obra tiene ecos, por supuesto del arte Pop y la estética postmoderna así como del constructivismo ruso y sus collages. Su estilo (como todo lo “almodovariano”) ha sido imitado hasta la saciedad, especialmente, el cartel y los títulos de crédito de “Mujeres al borde de un ataque de nervios” pero su elegancia ha sido pocas veces igualada.
De entre su obra he escogido, la imitada hasta por la Streisand “Hable Con Ella”, el conocidísimo cartel de ”La Comunidad”, el de ”Entre las Piernas” y una rareza, el cartel para el corto en blanco y negro que estaba integrado en “Hable Con Ella”: “El amante Menguante” protagonizado por Paz Vega y Fele Martínez.
Si hay alguien a quien no le importa el encasillamiento ese es sin duda Vincent Cassel. El encasillamiento como villano, macarra y/o sádico es más en sus papeles en inglés (siempre le tocan papeles dignos del primer Richard Widmark) como en Promesas del Este (Eastern Promises, 2007, David Cronemberg), Sin Control (Derailed, 2006) con Jennifer Aniston o la segunda y tercera parte de Ocean’s Eleven.
En Francia es una estrella de primer orden sobre todo por la obra imprescindible (aunque discutible) de Mathieu Kassovitz “El Odio” (La Haine, 1995).Película de gran influencia en todo el cine reciente en la que Cassel luce su repertorio de violento macarra barriobajero. Otras películas destacadas son“Los Ríos de Color Púrpura” tambien de Kassovitz,“El Pacto de los Lobos” o la polémica “Irreversible” emparejado con su mujer, ni más ni menos que Mónica Bellucci. Casarse con la Bellucci desde luego que no ayuda a que tenga menos imagen de macarra o villano, pero hace que sea más obvio su atractivo de chico malo. Cassel es un sex symbol a su estilo.
Ahora se va estrenar mundialmente la película francesa del año, la premiada Mesrine. En ella Cassel interpreta al protagonista, a saber de un famoso ladrón, contrabandista y asesino francés de los 60 y 70. Es decir no podía ser otro más que él y ya ha ganado un Premio César por esa interpretación.
Los estudios Disney-Pixar están apostando fuerte por las 3 dimensiones esta temporada. “Bolt” abrió fuego, y ahora “UP” y “G-Force” consolidan la tendencia. El cine en 3D es una vieja herramienta del cine para luchar contra la televisión. Cuando el cine en casa se hace más y más importante los estudios siempre buscan alternativas para ofrecer algo en un teatro que una tele no puede ofrecer.
Desde los primeros tiempos del cine se empezó a experimentar con las 3 dimensiones, en 1922 se estrenó la primera película en 3D y desde entonces han llegado varias oleadas de estrenos. En 1953, “Man in the Dark” una de cine negro fantástico con escenas en parque de atracciones incluido, y sobre todo “Los crímenes del Museo de Cera” consolidaron con gran éxito la técnica. El éxito de la última coronó a Vincent Price como rey del 3D y al terror de serie B como el género más adecuado para el experimento.
Más tarde en 1954 Hitchcock intentaría con “Crimen Perfecto” (Dial M for Murder) llevar al sistema al cine más serio… pero el público y sobre todo los exhibidores perdieron el interés. Ahora desde el éxito de los cines IMAX, y el primer experimento de “Polar Express” Disney parece empeñada en imponer de nuevo la moda de las gafas de colores, y ya anunciado que todas las películas de Disney-Pixar serán lanzadas en esta técnica. Otros estudios también lo están intentando (Coraline es en 3D) y se han anunciado otras.
G-Force no es de dibujos animados, sino de acción real. Cuatro cobayas que hablan son agentes especiales del FBI que intentan salvar al mundo. Las tres dimensiones subrayan las escenas de acción y los espectaculares efectos especiales sin ser una continua montaña rusa como las pelis del IMAX, y las gafas le dan al cine esa “experiencia” distinta a ver la tele. Por supuesto que es cine familiar de Disney de toda la vida… es decir perfecta para la tele un domingo por la tarde, pero perdiéndose las 3D, claro. Por cierto, Penélope Cruz da voz a la sexy cobaya hispana.
Una nueva obra de arte con mayúsculas ha vuelto a salir de los laboratorios de Pixar, que parece que están bajo un hechizo sobrenatural que no les permite otra cosa que entregar a los amantes del cine cada año una obra maestra cada vez mayor. Comparte con Wall-e el mismo espíritu, es una obra completamente original que contando su argumento en dos líneas parece imposible que alguien haya convencido a Disney para producirla.
Si en Wall-e las referencias eran Chaplin y Buster Keaton, en “UP” son “El Mago de Oz”, Julio Verne, Max Ernst y René Magritte entre otros. También tiene otros guiños cinéfilos, el más obvio es el parecido entre el protagonista y el Spencer Tracy de “Adivina quien viene esta noche” y el del malo con Kirk Douglas. La película está teñida por nostalgia y la historia de amor contada en los 10 primeros minutos es tan emotiva como el flashback de “Casablanca”.
Al igual que Wall-e consigue contentar a todos, ya que es técnicamente apabullante, el uso de las tres dimensiones es fantástico sin ser circense, los niños tienen sus dosis de humor, ternura y de terror; tienen sus personajes bobos, graciosos, persecuciones y por supuesto un final feliz. Los mayores se verán cautivados por su mensaje sobre el paso del tiempo, sobre el amor, sobre los proyectos no realizados, sobre la pérdida de los seres queridos, sobre volver a empezar.
¿Algún defecto?… Pues quizás como Wall-e la primera parte es tan apabullante que hace deslucir un tanto la segunda parte. Y que las dos películas que conviven en ella no siempre armonizan en tono y mensaje.
Junto con Michel Gondry y Spike Jonze, Charlie Kaufman ha creado todo un asombroso mundo en la que la imaginación y el subconsciente se mezclan con la realidad. “Como ser John Malkovich” (Being John Malkovich, 2000) “El Ladrón Orquídeas” (Adaptation, 2002) y sobre todo la magistral y hermosísima “Olvídate de mí” (The Eternal Sunshine of the Spotless Mind) son las obras claves que ha escruito.
Ahora se enfrenta por primera vez a la dirección con Sinécdoque, Nueva York en la que encontramos todos los elementos de las anteriores películas: imaginación desbordante, asombrosos efectos especiales tratados como algo cotidiano, dramas profundos tratados de un modo incisivo y original, un reparto magnífico (Philip Seymour Hoffman y Catherine Keener son los protagonistas) y unos diálogos geniales.
El problema es que esta vez los mismos ingredientes no han dado un plato tan jugoso. Es demasiado larga, demasiado reflexiva, demasiado críptica… es decir, aburrida. Como a Julio Médem después de “Los Amantes del Círculo Polar”, Kaufman se ha encerrado totalmente en sí mismo y ha hecho una película un tanto megalómana, lanzándose de lleno a sus obsesiones, olvidando completamente al espectador que necesita ser primero entretenido, y luego todo lo demás.
Este ejercicio de realidades paralelas es por supuesto visualmente magnífico y tiene momentos muy buenos, pero el conjunto resulta decepcionante.
Nine es una de las grandes esperanzas de este año para la temporada de premios. Una producción de lujo, basada en un gran éxito de Broadway con un reparto estelar a más no poder (salvo una de las grandes incógnitas…¿que pinta Fergie?) Su gran baza, que es ser un nuevo Chicago, se convierte en su gran lastre. 
El último gran éxito del cine de terror llega por fin, precedida por un fantástico tráiler, que promete sustos de un modo terriblemente realista. Pues bien, este es uno de esos casos en los que lo único bueno de la película es el tráiler, realizado con maestría.
“Los Abrazos Rotos”
[Rec] 2 
La última película de Quentin Tarantino “Malditos Bastardos” (Inglorious Basterds, 2009) me ha recordado sorprendentemente a la última película de Pedro Almodóvar “Los Abrazos Rotos”. Aunque las películas no tienen nada que ver sí que me parece que ambos cineastas están en un momento parecido y que tienen obsesiones semejantes.
El argentino Juan Gatti es probablemente el diseñador de carteles más conocido del cine español. Es el Saul Bass del cine patrio y su Alfred Hitchcock particular es Pedro Almodóvar. La obra de Gatti está íntimamente ligada a la del manchego y lo que entendemos por el cine y el estilo “almodovariano”. Pero su carrera en el cine no está solo ligada a Almodóvar, sino que también ha diseñado carteles y títulos de crédito para Fernando Trueba, Alex de la Iglesia o Manuel Gómez Pereira entre muchos otros.
madrileña, Juan Gatti, además del cine también es responsable de la imagen de un montón de discos de los años 80 y 90, como las imperecederas portadas de los discos de Alaska y Dinarama (como “Deseo Carnal” y muchos otros hasta llegar a los de Fangoria), Mecano o Nacha Pop. 
Si hay alguien a quien no le importa el encasillamiento ese es sin duda Vincent Cassel. El encasillamiento como villano, macarra y/o sádico es más en sus papeles en inglés (siempre le tocan papeles dignos del primer Richard Widmark) como en Promesas del Este (Eastern Promises, 2007, David Cronemberg), Sin Control (Derailed, 2006) con Jennifer Aniston o la segunda y tercera parte de Ocean’s Eleven. 
Los estudios Disney-Pixar están apostando fuerte por las 3 dimensiones esta temporada. “Bolt” abrió fuego, y ahora “UP” y “G-Force” consolidan la tendencia. El cine en 3D es una vieja herramienta del cine para luchar contra la televisión. Cuando el cine en casa se hace más y más importante los estudios siempre buscan alternativas para ofrecer algo en un teatro que una tele no puede ofrecer. 
G-Force
Una nueva obra de arte con mayúsculas ha vuelto a salir de los laboratorios de Pixar, que parece que están bajo un hechizo sobrenatural que no les permite otra cosa que entregar a los amantes del cine cada año una obra maestra cada vez mayor. Comparte con Wall-e el mismo espíritu, es una obra completamente original que contando su argumento en dos líneas parece imposible que alguien haya convencido a Disney para producirla.
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