Vamos a repasar 5 casos en los que no se pudo disimular… Los nominados al premio a “Demasiado viejo para mi papel” son:

1) Leslie Howard con 43 y Norma Shearer con 34 por los adolescentes de “Romeo y Julieta” (1936, George Cukor)

2) Greer Garson con 36 primaveras interpretando a la también adolescente Elizabeth Bennet en la versión de “Orgullo y Prejuicio” de Jane Austen en 1940 

3) Ingrid Berman como la doncella de Orleans en “Juana de Arco” (1949, Victor Fleming). Una adolescente de 45 tacos.

4) June Alyson tenía 32 cuando interpreto a otro personaje literario adolescente la Jo de ”Mujercitas”

5) La ganadora siempre tiene que ser Faye Dunaway, por el glorioso papel en “Cámara Sellada” (1996) en la que hace de hija de Gene Hackman. Hay 2 lustros oficiales solo de diferencia entre ellos. Pero no cuela.

Empezando con Pé (que por cierto lleva dos pelucas en la peli), vamos a dar un repaso a 5 pelucas de cine que se me ocurren ahora a bote pronto. Los nominados son:

Penélope Cruz por “Elegy”, (solo encuentro foto de la del flequillo)

Nicole Kidman en “Reencarnación” (mucho peor que la que usó en Los Otros)

Nicholas Cage en toda su filmografía (en la foto en Weather Man)

Marilyn Monroe en “Vidas Rebeldes” 

Y la ganadora es la inefable Rocío Durcal por “Más Bonita Que Ninguna”

Revisando recientemente “La última vez que vi París” (The Last Time I saw Paris, 1954, Richard Brooks) la más bien convencional adaptación de la novela corta  “Babylon Revisited” de Scott Fiztgerald (desconozco si está traducida al castellano) me di cuenta que uno de los principales problemas de la película tenía muy dificil explicación. ¿Por qué se había decidido trasladar la acción de los años 20 a los 50?

Aunque confieso que no he leído la novela, es obvio por lo que sucede en la película que la acción comienza con el crack la bolsa del 29 y que luego en flash-back describe los locos y libertinos años veinte que vivieron un grupo de americanos en París. La película en cambio comienza con la liberación del París al final de la segunda guerra mundial, y luego describe fiestas y bacanales totalmente anacrónicas en la postguerra. Para camuflar el crack de la bolsa fingen que los pozos de petrolíferos de la familia se secan.

Todo un despropósito que no puede tener origen en falta de presupuesto, ya que tiene muchos exteriores en París y el dinero se ve. La única explicación que he podido encontrar es que la productora se negó a prestar a la Taylor mega-estrella de la época para que fuera vestida años veinte y necesitaban que luciera modelos sin fin para que las señoras de la época fueran al cine en masa. Por cierto que mala elección es Van Johson.

Buscando por internet cosas de esta peli he descubierto la razón por la que algunos periódicos regalan tantas películas antiguas en ediciones lamentables. Al parecer nadie ha renovado los derechos de autor de un montón de peliculas clásicas y ahora son de dominio público.

Tras un momento de estupefacción por supuesto firmamos. Por si alguien quiere firmar el restaurante que apoya a Mr Finney es “Sausage & Mash” y está en Brushfield Street.

Si prospera sería el primer “Oscar” concedido por petición popular y no por las votaciones de los académicos. Desde luego no hay nadie que se merezca tanto el consabido premio como Mr Finney. Desde su debut en “Sábado noche, domingo mañana” típica película de Free-Cinema, hasta la citada obra maestra negrísima de Lumet, Mr Finney ha protagonizado clásicos como “Dos en la Carretera” (Two for the Road, 1965, Stanley Donen) “Tom Jones” (1963, Tony Richardson) o “Los Duelistas” (1977, Ridley Scott) o las más recientes “Muerte entre las Flores” (Miller’s Crossing, 1990, Joel Cohen) o Traffic (2000, Steven Soderbegh)

También ya tiene cuatro nominaciones a sus espaldas, así que ya toca. Todos a firmar.

“Servidumbre Humana” (On Human Bondage) de Somerset Maughan es una de mis novelas favoritas. Las andanzas de Phillip Carey entre Londres y París y su amargo y funesto enamoramiento de Mildred me parecen fascinantes. De todos es sabido que la transición de la literatura al cine es siempre polémica, pero todo hay  que decir que quizás Somerset Maughan sea de los escritores más cinematográficos.

Ayer pude ver la versión rodada en 1934 por John Cromwell titulada en España “Cautivo del Deseo”. Es conocida porque fue la película que lanzó al estrellato a Bette Davis. La película se centra sobre todo en la relación entre Phillip y Mildred y deja de lado un montón de tramas y de material perfecto para una película. No se si por la impericia del director o porque el estudio pensaba que el público recién salido del cine mudo no podría entender una novela un tanto compleja la adaptación resulta ramplona. Por ejemplo, los insertos de Phillip durmiendo con visiones de Mildred acosándole parecen un tanto pedestres.

El reparto es otro cantar, y los actores principales son el mayor atractivo. Se entiende porqué la Davis se convirtió en una estrella por este papel tan lucido. Mildred es retratada como barriobajera, engreída, paleta y despiadada. Todo eso luce mucho, y es una delicia verla, pero, sinceramente nunca he visto a la Davis más sobreactuada e irritante. Se olvidó de dotar al personaje de humanidad (que en la novela tiene) y su postizo acento cockney no ayuda precisamente.

En cambio Leslie Howard me sorprendió gratamente. Actor descafeinado donde los haya (nadie entiende que vió Escarlata O’Hara en semejante ser),  esta vez es capaz de transmitir la dualidad de Phillip: se siente inferior a todo el mundo pero sabe que es mejor que casi todos ellos. Es la primera ocasión en que encuentro apropiado al actor inglés: borroso en “Lo que el viento se llevó”, aburrido en “Intermezzo” y irrisoriamente viejo como Romeo en “Romeo y Julieta”.

Desde entonces solo una película ha atraído masivamente al público “Fuera de Carta” (Nacho G. Velilla) de que ha recaudado 7,6 millones de dólares. Actores conocidos y aires de varias series de televisión son los ingredientes de esta comedia “alocada” que no ha alocado tanto a la crítica.

Tras estos 3 éxitos rotundos otros 4 éxitos moderados: películas que han recaudado más de 1 millón de dólares en taquilla. Como estas debería haber al menos 10 para considerar el año como bueno, ya que son de estas de las que puede vivir la industria. Las pelis en cuestión son: Cobardes, Casual Day, 8 Citas y Todos Estamos Invitados.

Las diez primeras según www.boxofficemojo.com son:

1. The Oxford Murders ($12,525,441)
2. Mortadelo y Filemón. Misión: Salvar la Tierra ($ 11,945,068)
3. Fuera de carta: ($7,665,779)
4. Cobardes: ($1,473,892)
5. Casual Day: ($1,364,015)
6. 8 citas: ($1,326,025)
7. Todos estamos invitados: ($1,251,557)
8. Kilómetro 31: ($597,338)
9. Lo Mejor de mí: ($401,227)
10. Tres días: ($307,209)

Lo último de Pixar es una de esas películas que cuando te el típico enterado te cuenta el argumento se te quitan las ganas “en un futuro lejano, en el Planeta Tierra ya no quedan humanos ya que la basura lo ha invadido todo; un robot recoge basura es su único habitante, que pronto recibirá una visita inesperada” y ya lo rematan cuando te cuentan “Ah, y no hay diálogos”.

Pues bien, el estudio que no comete errores lo ha vuelto a conseguir: Wall-e es un maravilloso tour de force: casi sin diálogos, es una divertida y tierna historia de amor entre dos robots. Una película para todos los públicos, que los niños adorarán y entenderán perfectamente y que no necesita de chistes para mayores o groserías fuera de lugar para gustar a todos los públicos. En la línea del desde mi punto de vista mejor film de Pixar hasta la fecha “Buscando a Nemo” (Finding Nemo, 2003, Andrew Stanton).

¿Podrá Pixar seguir manteniendo el listón de la calidad tan alto en sus películas siempre?

La semana pasada se publicó en la prensa la feliz noticia de la aparición de una copia casi completa de Metrópolis (Fritz Lang, 1927). Los 25 minutos más de esta obra maestra hallados en Buenos Aires despiertan dos reflexiones sobre la conservación de ese arte llamado cine.

La primera reflexión es que me da la sensación que aún se sabe muy poco del cine mudo. Parece mentira que un espectáculo que convocó a millones de espectadores en todo el mundo haya desaparecido casi del mapa. Se estima que aproximadamente el 70% del cine mudo se ha perdido, debido a la mala (o primitiva) calidad del soporte de nitrato que se empleaba y por el poco valor que se le daba al cine entonces. Hay películas míticas perdidas totalmente como  Cleopatra (1917, J. Gordon Edwards) protagonizada por Theda Bara o el clásico del horror London After Midnight (1927, Tod Browning) con Lon Chaney. Hay otras películas que se conservan a trozos como el Napoleón (1927) de Abel Gance o como era el caso de Metrópolis hasta la semana pasada. 

La segunda reflexión se relaciona con la conservación ya no solo de las películas, sino del montaje que refleja la idea del director. ¿Aparecerá alguna vez alguna copia íntegra de El Cuarto Mandamiento (The Magnificient Ambersons, 1942, Orson Welles)? La que hoy en día nos parece una obra maestra no es sino una versión resumida (el estudio cortó una hora de metraje) y corregida (tiene un nuevo final feliz entre otras escenas que se volvieron a rodar) de la primitiva idea de Welles.

Al hilo del elogio a Casey Affleck en el anterior post me ha venido a la mente una película que se relaciona técnicamente con “Adiós Pequeña Adiós” (Gone Baby Gone, 2007, Ben Affleck) por el uso de un polémico recurso cinematográfico: el flashback mentiroso.

La película en cuestión es “Pánico en la Escena” (Stage Fright, 1950, Alfred Hiitchcock) y es uno de los deliciosos filmes llamados “Hitchcock menores”. Mezcla de comedia de costumbres e intriga criminal como “La Sombra de una duda” (The Shadow of a Doubt) la película es célebre por utilizar un flashback falso al principio de la película.

El gordo Alfredo una vez vista la película completa consideró que había cometido un grave error (según él era su segundo grave error tras matar a un niño en una escena de Sabotaje, 1936), y su propia autocrítica no ha beneficiado en absoluto a la película. La crítica hoy se divide en los que aún piensan que la cámara nunca debe mentir (a no ser que la película sea toda falsa, como en funesta “La Mala Educación” de Pedro Almodóvar) y los que piensan que Hitch una vez más estaba en la vanguardia del cine y que esto hace que esta película de actores y mentiras tenga sentido.

Esta es la pregunta que se hace todo el mundo tras ver “Adiós Princesa, Adiós” (Gone Baby Gone, 2007, Ben Affleck) o “El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford” (The Assasination of Jesse James by the Coward Robert Ford, 2007, Andrew Dominik). Casey aporta a estos dos complejos y torturados personajes aplomo y verosimilitud.  

En el mundo del cine desde 1995 (al menos su primer papel recordable en Todo por un Sueño de Gus Van Sant), sorprende que haya tardado 12 años en que alguien creyera en él como protagonista absoluto. Quizás haya tenido que superar obstáculos en los casting, como su (baja) estatura o su aspecto de chico de la puerta de al lado o ser el hermano del polémico y vapuleado (hasta bien poco) Benjamín Affleck.

En Hollywood le espera lo mejor y en España le aguarda probablemente el mismo triste destino que su hermano: que Corazón de Verano y similares se burlen de él cuando hable su esforzado español.

¿Ha nacido una estrella?